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Ultimamente salieron varias imagenes donde llevan a la realidad a diversos personajes, aquí pueden ver a Mario, Jessica Rabbit y Bowser.

También me acorde que alguna vez vi a un Homero real y decidí agregarlo.

Con el auge indiscutible de los reproductores multimedia portátiles, especializados en MP3 y MP4, con la triunfal difusión de los Ipods, cualquiera podría preguntarse si acaso el mercado del reproductor portable de discos de audio, mejor conocido como Discman tendría aún un porvenir claro. Y sin embargo hay quien todavía siente que se aleja positivamente de lo geek, prefiriendo el Discman, como un modo predilecto de llevar consigo a todas partes su música favorita. Y es que comparado con los reproductores multimedia del momento, ciertamente el clásico discman es una opción más barata; de buena duración (algún modelo Sony resiste hasta 40 horas de duración con una pila AA); de aceptable y hasta superior calidad de sonido con respecto a los reproductores de Mp4 convencionales. Incluso los menús son más sencillos y funcionales, así como es factible que el tiempo de vida de un buen Discman de marca renombrada y confiable, supere algunos frágiles modelos de reproductores de MP4.

Tómese por ejemplo el espléndido CD Walkman modelo D-NE241 de la compañía Sony. Este reproductor es compatible enteramente con discos conteniendo MP3, expone una pantalla LCD muy funcional, de una línea y siete segmentos, además de poseer tres botones direccionales en la cubierta para una eficaz e intuitiva navegación.

Su diseño metálico es muy atractivo y amable: con él es fácil disfrutar de nuestros CDs en cualquier lugar, aún en medio de la práctica intensa de los deportes extremos. Esto es posible por la tecnología ESP Max que ostenta, complementada con la del G-Protection. Prácticamente garantizan una escucha ininterrumpida entre saltos, sin sobresaltos. El CD Walkman D-NE241 cuenta con aditamentos extra como audífonos, bocinas, baterías recargables, control remoto, conexión para automóvil, salida óptica a MiniDisc. Soporta CDs genéricos además del mencionado formato del popular MP3.

Con productos así de completos y eficientes, no es difícil comprender como las compañías disqueras aún siguen promoviendo a sus artistas a través de los discos compactos. Sin duda que en medio del júbilo de los formatos multimedia emergentes, el Discman o CD Walkman tiene aún mucho que ofrecer en tiempos en donde las alternativas y la diversidad, forman parte de todo medio, todo producto y todo mensaje que busque en la expresión su cabal manifestar.

Los horrores de la guerra no se aprecian sólo en amplias perspectivas históricas, pues a fin de cuentas no se reflejan únicamente en cambios en las fronteras, o en los nombres de los países, acaso ni siquiera totalmente en los holocaustos pavorosos o en las angustiosas migraciones de refugiados que escapan a la devastación y el desamparo. Posiblemente entonces haya que acudir a los individuos por separado, los simples existentes, protagonistas de micro-historias disimuladas en donde se condensa toda la angustia y el dolor de una situación de sufrimiento extremo y sin escape alguno. Las personas, cada una de ellas, son las que en su agonía dan límite a lo humano, las que dejan entrever en su calvario que es imposible ir más allá, sin tener que asomar la cabeza del otro lado del mundo, allí donde las lagrimas y el corazón son la única vía para afrontar y encontrar un consuelo, al ominoso silencio del firmamento, que sólo observa y calla.

Esto podría ser el mensaje de uno de los animes más terribles y consternadotes jamás concebidos: la obra de Isao Takahata, La Tumba de las Luciérnagas.

Allí se narra como en Japón, los niños Seita de 14 años y Setsuko de 5 han de enfrentar la tragedia de ver su ciudad bomardeada, en 1945, durante la segunda guerra mundial. Entre el caos y la muerte por doquier se separan de su madre, para hallarle poco después completamente agonizante. Tras el fallecimiento de la mujer, los hermanitos buscan refugio en casa de sus tíos, donde han de padecer el desprecio y los malos tratos de sus parientes. Por esto mismo deciden irse de allí y alojarse en un vacío refugio antiaéreo. En ese lugar harán su sencillo hogar, en donde se aferrarán a la vida por medio de los desperdicios que recogen en las construcciones destruidas. Y a la vez tratarán de sujetar trágicamente la esperanza de su infancia, que sin embargo poco a poco se consume como el cuerpo de la tierna Setsuko, que entre lamentos de hambre y tristeza, aún tiene alguna sonrisa débil que brindarle a su atribulado e impotente hermano, sonrisa tan suave y tenue como la luz de la tumba de las luciérnagas.

Hotaru no Haka, cinta de 1988 del afamado Estudio Ghibli, es una obra dura, severa, realizada sin concesión alguna al espectador. Es difícil imaginar a alguien que luego del visionado de sus 93 minutos de arte noble y grave no resulte conmovido hasta las entrañas del sentimiento. Enorme trabajo el de Takahata, mano derecha de Hayao Miyazaki en muchas elaboraciones, y en La Tumba de las Luciérnagas, adaptación de la novela homónima de Akiyuki Nosaka, además, es muy destacada la labor de Yoshifumi Kondo el director de animación, Yoshio Mamiya en la emotiva banda sonora, y Nobuo Koyama en la fotografía. Es una película desgarradora, conmocionante, inolvidable.

Las últimas escenas de esta producción, en donde las sombras de los niños se acurrucan para contemplar las luces de las luciérnagas, nos hablan tal vez que la ternura y la pureza de espíritu trascienden en la conciencia de los humanos, venciendo así a la muerte, pues como expresa el gesto de la pequeña Setsuko arrullándose en las rodillas de su hermanito para contemplar la luz de las luciérnagas, aún siendo ambos un mero recuerdo de sí mismos, como dijo María Zambrano: no es enteramente desdichado el que puede contarse a sí mismo su propia historia, y la luz de las luciérnagas nos habla aún de la historia, de la vida triste de estos niños, nuestra historia, nuestra vida.

Comenzamos las andanzas de este su blog Llévalo contigo, con un pequeño homenaje a la consola de juegos más popular del mundo entero, la primera Game Boy de Nintendo. El genio visionario de la industria de los videojuegos, Gunpei Yokoi (fallecido trágicamente en 1997, al auxiliar a una persona en un accidente de tráfico), liderando a la división Intelligent Systems lanzó al mercado el 21 de abril de 1989 en Japón, al antes llamado prototipo Dot Matrix Game o en sus siglas DMG, hoy conocido como el exitoso Game Boy.

En aquellos tardíos ochentas, la Game Boy derrotó a su competencia directa: definitivamente hundió a la Atari Lynx y obstruyó en mucho la difusión total de la Game Gear. Es muy significativo que esta gran aceptación entre el público consumidor no se basara meramente en detalles técnicos puesto que en sí, era una consola muy limitada: con un microprocesador z80 a 8 bits; pantalla de LCD de 160×144; 4 tonos de grises; sonido con 4 canales aunque sólo disfrutable su estéreo por medio de audífonos; 20 horas de juego continuo utilizando 4 pilas AA y el popular juego de Tetris incluido de serie.

Sin embargo podemos entender esta buena acogida de los aficionados si consideramos que la Game Boy era realmente “la consola de bolsillo”, puesto que sus dimensiones reducidas la hacían amigablemente portátil y cómoda para el juego. Además tenía un amplio catálogo de cartuchos disponibles, aunado a contar con el impulso de la popular consola NES de Nintendo, puesto que la gente había otorgado confianza y cariño a esta firma gracias a su calidad y a títulos tan entrañables de aquel entonces como Zelda.

Posteriormente juegos como Street Fighter o Mario Land 2; o la posibilidad de jugar en doble usuario (por medio de un enlace de cable conectado al puerto en serie y además un Game Boy con su cartucho de juego por cada aficionado) le ganaron por completo el gusto del gran público que poco a poco lo consideró como un clásico incluso hasta la aparición de su sucesor directo el Game Boy Advance.

Si pensamos en alguien como el filósofo Hegel, que consideraba al mundo como el desarrollo de una Idea Absoluta con un solo destino abarcador y totalizante, podemos valorar la libertad de existir simbolizada por este pequeño dispositivo de juegos, es decir, por su azar jubiloso y sano distanciamiento obsequiado: con el Game Boy cada uno podía forjarse en innumerables destinos emocionantes y variados, siempre teniendo la posibilidad de viajar y ser en infinitos mundos, con disimulados umbrales de otredad en el bolsillo…

Larga vida pues, a esta pequeña consola portátil, el Game Boy de 1989, que tanto nos ha dado en tan poco espacio.

Al excelente creativo manga Yukito Kishiro, le fue encomendada la empresa, por parte de la editorial Shueisha, de rescatar un hermoso personaje de una futurista trama policiaca, acerca de dos chicas agentes de un equipo SWAT extremo, misma que no había llenado las expectativas de los editores; sin embargo una de las chicas dibujadas por Kishiro tenía un diseño muy atractivo, en especial su mirada melancólica. A partir de esto Kishiro elaboró la primera versión del guión de las aventuras de este personaje: Gally, una hermosa androide, un ángel de combate, pero este tratamiento fue tan estupendo que Kishiro decidió estructurarlo más ampliamente y con entera libertad de inspiración; el resultado un manga en nueve tomos, una obra maestra del cyberpunk : Hyper Future Vision Gunnm.

Con una influencia evidente de la cinta de culto Blade Runner(1982) de Ridley Scott , de la serie de ciencia ficción apocalíptica Mad Max (1979-1983) protagonizada por Mel Gibson, y además sin duda por la connotada revista legendaria de comic underground Heavy Metal; Kishiro relata en Gunnm, las andanzas de Gally (Alita en Occidente) una joven cyborg preciosa y letal, encontrada en un basurero industrial de un futuro remoto por Ido, un científico genio en robótica. Pronto Alita va forjando una vida sencilla e intensa en el peligroso ambiente de ese mundo marginal de desperdicios y sordidez, el Kuzutetsu (Patio de los Desperdicios), basurero de la onírica y lujosa ciudad flotante de Zalem (Tiphares). Alita, combatiente excepcional, se dedica a ser caza-recompensas de androides asesinos o traficantes de materia gris: es un ambiente salvaje de lucha constante y exotismo ultrapunk. Alita conoce allí el amor en el joven Yugo, aunque esta relación conlleve un descenlace funesto. Pronto Alita en sus avatares llegará hasta la misma Tiphares, para enrolarse en el peligroso deporte del Motorball, algo parecido a la cinta Rollerball (1975) de Norman Jewison y con James Caan, pero más mortífero y con participantes cyborg adaptados al combate. La hermosa Alita triunfará en ello, pero no obstante sólo será el principio de una atribulada existencia de búsqueda constante de su propia identidad, siempre acechada por la siniestra figura del genio del mal Desty Nova, y acompañada por quien será su gran amor, el aventurero Figure Four, entre una miríada de personajes variopintos. Al final de la serie, luego de tantos esfuerzos y batallas, Alita se sacrificará por la existencia del mundo en un hermoso y surrealista final, que parece no haber dejado satisfecho a Kishiro, quien decidió continuar la serie ahora con el título de Gunnm: Last Order, que continua apareciendo aún mes con mes, en una trama compleja y cautivante.

El éxito del manga de Yukito Kishiro llevaron a la productora KSS Inc con Joichi Sugita y Kazuhiko Ikeguchi a realizar en 1993 un par de OVAS que serían el principio de la historia entera relatada en el famoso manga. Nobutero Yuki, celebrado enormemente después por Escaflowne, fue el encargado del diseño de los personajes, además con el guionista Akinori Endo, y en el director Hiroshi Fukutomi. Y a pesar de no haber contado-inexplicablemente- con el apoyo de los fans, esta pieza de anime es realmente una maravilla de cyberpunk oscuro y angustiante. Alita aquí es realmente un ángel, un regalo de divinidad, que cataliza en quienes le rodean los instintos, las pulsiones y las fuerzas que dirigen desesperadamente el destino del mundo. Su pureza indeclinable le hacen ser el vórtice de una serie de personajes ya entrañables como el doctor Ido, ya nauseabundos o corrompidos como el asesino-cyborg Grewshika o la bella doctora Chiren; ya al borde mismo del existir o no, como el idealista Yugo; Alita el ángel cyborg, a todos les da una respuesta con su ser, y sus acciones, luchas y pasiones no tienen otra motivación sino la de defender, generar o motivar impulsos de vida o deseos (aún desmedidos) de ella en los demás. Tal y como el Cielo mismo, más allá de la opresiva mole de Zalem, más azul que nunca, puro e infinito.

No todos somos perfectos (como Cell ) y a veces cometemos errores, hasta al mismisimo Akira Toriyama se le escaparon algunos errorcillos durante sus seires de Dragon Ball.

Cuando estábamos chavillos, nos encantaba esta gran serie y nos emocionaba cada capitulo, pero ahora ya que estamos un poco mas grandecitos y volvemos a ver esta serie que a cada rato las pasan en las Televisoras y como ya nos sabemos toda la historia, nos fijamos mas en los detalles, la calidad del dibujo, como fue cambiando, errores etc.

Bueno vamos a empezar con la listilla de errores, que seguramente ustedes se quedaran diciendo “Oye! si es cierto, no me habia dado cuenta de eso!

1. ¿Qué se hizo el hermano de Dende? El que estaba con él cuando Freezer llegó a Namekusein. Los hombres de Freezer mataron a este niño, salvándose Dende, pero, si luego revivieron a todos los que murieron a causa de Freezer ¿Por qué este muchacho no revivió?, ya que todos los que fueron muertos por Freezer y sus hombres revivieron!.

2. En el especial de Dragon Ball donde aparecen Goku Jr. y Vegeta Jr, que son descendientes de Goku y Vegeta. ¿Por qué Goku Jr. trata de reunir las esferas del Dragón para su abuela (Pan) si cuando destruyeron a todos los dragones negros, Shenlong dijo que no cumpliría más deseos?… Ya que si eso pasa, y Goku absorbió las esferas, la esfera de 4 estrellas que Goku Jr. encontró, no debió aparecer.

3. En DBGT Goku y Vegeta se Fusiona por medio de la técnica del Planeta Metamor, el caso es que Esta técnica la usaron los dos en una película, no en la serie, así que no debieron ponerla…

4. En DBGT vemos a Bra, pero esta nunca pelea o trata de hacerlo, lo cual es erróneo ya que al tener sangre de Saiyajin debería pelear, ya que Pan, al no tener tanta mezcla con un saiyajin real, le encanta la pelea.

5. Piccolo a veces cuando tiene herida le sale sangre, pero a veces le sale sangre roja y a veces sale sangre morada.

6. En la serie de Dragon Ball GT cuando muere Baby se escapa varios enemigo de Goku del infierno, pero lo más raro es que sale Cooler (hermano de Freezer), si Cooler aparece solamente en OVAS.

7. Vegeta sale en DBGT con los cabellos cortado y con Bigote, pero según mencionaron lo saiyajines puro no le crece los bigotes y los cabellos.

8. Trunks, Bra, Pan y Goten nacieron sin cola pero si Gohan tuvo cola su hermanito también lo debería tener, pues de Trunks y Bra claro que lo deberían tener si su padre es Vegeta, pero Pan tal vez no lo debe tener ya que es 1/4 Saiyajins.

9. ¿Porque?- Si el Androide #16 siendo enteramente Androide al ser golpeado le sale sangre Roja, ya que sucedió esto cuando Cell le vuela la mitad de la cabeza y también cuando lo destruye totalmente.

10. Cuando se destruye la Luna los saiyajins convertidos en monos gigantes vuelven a la normalidad. Pero cuando Tarles, un supuesto hermano de Goku que aparece en el largometraje “La Super Batalla”, crea una falsa Luna para hacer que Gohan se transforme, después la destruye, pero Gohan sigue siendo un mono. ¿Será porque era una falsa Luna?.

11. Los Saiyajins nacen con un tipo de cabello determinado y ese no les crece nunca y además no les crece barba y bigotes. ¿Porque Napa era calvo y tenia bigotes?, ¿Como hubiera sido Raditz el hermano de Goku en tercer nivel si ya tenia el cabello bastante largo?.

12. ¿Que pasó? Me extraña que Goku y Vegeta nunca pensaron reconstruir el Planeta Vegita con las esferas del dragón. Si Dragon Ball siempre explicaba las anomalías como por ejemplo: “Goku tiene cola porque es de una raza de otro planeta”, “Krilin tenia los puntos en la frente porque en la academia de artes marciales en que iba cuando era aun más pequeño se los hicieron”, “Puar y Oolong se transformaban porque iban en una escuela en que les enseñaban a hacerlo” Porque las siguientes anomalías nunca se explicaron: ¿Porque Chaos es blanco y no crece?, ¿Porque Ten-shin-han tiene un ojo mas?

13. ¿Por qué el Androide Super 17 tiene en su brazo de una ametralladora, si los guerreros Z no pueden ser afectados por las balas, ya que además nunca llegaran a tocarles?

14. ¿Por qué en la pelea qué tuvo Vegeta con la tropa Gi-Nyu, Vegeta fue derrotado fácilmente, aunque elevó su poder alrededor de los 30,000. Poco después de ser derrotados las fuerzas Gi-nyu por Goku, y matados por Vegeta, estos fueron mandados al Planeta de Kaioh-Sama donde entrenaban Tenshin-han y los demás, ellos derrotaron fácilmente a las tropas Gi-Nyu, eso significa que deberían tener un poder alrededor de los 50,000, para ser derrotados tan fácilmente?, ¿Cómo pudieron elevar tanto su KI, mucho más qué Goku si ellos no son Saiyayins?

15. ¿Por qué en la película “Fusión ó “Revival Fusion”, aparece el gan Freezer presentándose ante Gohan y Videl, aparentando ser el más fuerte, y ordenando a soldados que atacaran a Gohan, entre esos soldados estaba Boujack, que debería tener el nivel de pelea más alto que Freezer, ya que este sale en la Película Los Guerreros de Plata, y se enfrenta ante Gohan en Super Saiyan 2?

16. ¿Por qué Trunks llega desde el Futuro con la espada a derrotar a Mecha Freezer, siendo que esa espada la obtiene en la línea de tiempo a la cual él acaba de llegar, si el Trunks del Futuro nunca tiene contacto con Tapion (Conoce a Tapion en la película “El Puño del Dragón”). Y si lo ha llegado a tener ¿Cómo lograron derrotar a Hildegan si fue Goku en SSJ-3 quien lo derrotó (Suponiendo que Goku estaba muerto)?

17. Si Gohan no conoció a Cell antes de que entre a la Habitación de Tiempo, ¿Cómo es que sueña Gohan que entra Cell y mata a Milk y a Piccolo?

18. En la pelea de la Saga de Cell, aparecen 7 Cell Juniors creado por Cell, pero cuando Gohan comienza a matarlos, en total mata explotando a 8 Cell Juniors.

Bueno pues esos son algunos errorcillos que anteriormente no habíamos notado.

Si alguien se sabe algún otro que se me haya pasado, pueden comentar

Esta serie no es anime, pero vaya que expone en su esencia temática toda la magia de Oriente que cautiva y fascina a tantos millones de fanáticos en todo el mundo. Creada para el popular canal de televisión Nickelodeon, por Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko, Avatar: La Leyenda de Aang, es un producto de animación coreana, del año 2005 que luego de tres temporadas continua cosechando éxitos y llenando de aventura y fantasía la imaginación de sus seguidores.

La trama se desarrolla en una dimensión de ambiente principalmente asiático, pululan allí numerosos maestros en las más diversas e inéditas artes marciales, así como el dominio de los elementos naturales bajo el influjo de un profundo misticismo oriental. En este ámbito de sortilegio se dan los insólitos hechos de la vida de Aang, el último individuo heredero de una larga estirpe de avatares; y sus amigos Katara y Sokka, su bisonte volador Appa, su lémur levitador Momo y la niña Toph , que viajan incansablemente en una tentativa por poner a salvo su bello y extraño mundo de la belicosa Nación del Fuego que pugna por someter a las demás comunidades del mundo aquel. A lo largo de sus muchos viajes, los protagonistas son incordiados sin tregua por el príncipe del fuego Zuko, cuya meta principal es hacerse del avatar a fin de recobrar su dignidad perdida.

La serie de Avatar: La Leyenda de Aang es narrada cual si fuese un conjunto de libros, y como si cada episodio se tratara de un capítulo, y cada temporada un libro, mismos que toman su título de acuerdo al elemento eje temático que corresponda a la temporada.

La Tribu Agua, El Reino Tierra, La Nación del Fuego, Los Nómadas del Aire; las diferentes técnicas de control de los elementos, los paisajes oníricos, las pasiones amorosas de los protagonistas, las batallas titánicas que se desarrollan… estamos en un producto del género fantasy, cual si del mejor Michael Moorcok o de Ursula Le Guin se tratara. Lo que quizá nos devuelva Avatar es ese sentimiento extraviado pero vital en nuestra actualidad posmoderna y desencantada: la de poder maravillarse ante la propia cotidianidad, al descubrir que las cosas que nos rodean, a final de cuentas sólo tienen nombres provisionales, y que toda nuestra realidad bien puede resolverse en un enigma de cuatro elementos naturales en amor y discordia eternas, tal y como los griegos antiguos, Empédocles principalmente, así lo propuso. Todos podemos seguir la ruta de Aang y hacer de nuestra vida la página en blanco para narrar los sueños del alma, en donde lo posible es más interesante y preciso que lo necesario.Puesto que no en todo se vale soñar, pero si que un sueño bien puede valerlo todo, Aang tal vez escribe eso en alguna caligrafía esotérica en la ruta de sus aventuras de magia y misticismo. Sólo es preciso acompañarle. Vayamos con él a comprenderlo Todo.

Es inminente la aparición para 2010 de la primera cinta de una trilogía basada en esta exitosa animación, y seguramente bajo la batuta del famoso cineasta M. Night Shyamalan.

En blOtaku les mantendremos informados del proyecto.

Sin duda el visionado de Heidi la niña de los Alpes o El cuento de Heidi (Alps no Shojo Heidi) la adaptación al anime por parte del gran Hayao Miyazaki, y de su colaborador Isao Takahata, de la hermosa novela Heidi de la escritora suiza Johanna Spyri , es una forma entrañable en la que muchos nos adentramos en el maravilloso mundo de la animación japonesa.

Qué ternura de espíritu, la de los personajes de esta emotiva trama de arraigo y pureza de alma: la historia de esta pequeña huérfana que es llevada a vivir con su abuelo, un temido anciano solitario, en los Alpes alemanes, en un mundo de bucólica naturaleza bella y silvestre, para luego ser obligada a abandonar a sus amigos y seres queridos de allí, a fin de “civilizarse” en la gran ciudad y su posterior vuelta al hogar; es una obra maestra en todos los sentidos. Cómo no recordar con cariño lleno de nostalgia la música y las canciones que acompañaban a esta serie, creaciones de Gert Wilden, Takeo Watanabe y Christian Bruhn; cómo no mirar con afecto los encantadores diseños de personajes de Yoichi Kotabe. Sin duda que la intención profunda de Johanna Spyri, quedó perfectamente plasmada en este trabajo de Miyazaki y todo su equipo: Heidi es la nobleza de ser que habita en cada espíritu verdaderamente humano, ese don que nos hace escuchar la voz del misterio y lo infinito en los árboles mecidos por el viento; la inocencia de ver cara a cara el rostro de lo divino en las cumbres incendiadas por el ocaso fulgurante; el tesoro de una pureza de espíritu, capaz de ver en la relación cercana con los seres queridos, el fundamento y el motivo de la existencia entera. La alegría de Heidi, su risa al jugar en las verdes montañas con Pedro, Niebla y Copo de Nieve, bajo el cuidado del Viejo de los Alpes; la dicha de esta niñita, el rubor de sus mejillas, justifica Todo: le da sentido. ¿Quién más sino ella tiene esta entereza personal? ¿Quien sino Heidi asume la responsabilidad de comprenderlo Todo por todos, con una sensibilidad tan dulce y amorosa?

Este título es toda una emotiva experiencia, sus 52 episodios no tienen desperdicio, y momentos tan destacados como el reencuentro de Heidi con el Abuelo luego de la dura estancia en Frankfurt, así como la curación de Clarita, hacen de esta producción un precioso privilegio ejemplar, para ser aptos de comprender disfrutando, porque la vida vale la pena ser vivida siempre, bajo cualquier circunstancia.

Gracias Maestro Miyazaki. Heidi Un anime siempre valioso: imprescindible.

Muy cerca de su estreno en los primeros días de mayo, Speed Racer (2008) de los Hermanos Wachowski, que por lo menos en sus adelantos, muestra un destacado ambiente lleno de colores, luces y movimientos vertiginosos. Cabe recordar que esta cinta está basada en la entrañable producción televisiva, pionera del anime, de muchos años atrás en los 60s, por parte de la compañía Tatsunoko Productions, Mach GoGoGo, versión para las pantallas de los personajes del manga creado por el talentoso Tatsuo Yoshida. Bautizada en Norteamérica como Speed Racer y en castellano como Meteoro, este título narra las muchas aventuras y peripecias de un joven piloto de autos de carrera, que lucha por obtener la gloria en las competencias, con el apoyo de sus familiares y amigos y además del super-auto Mach-5, colmado de extraordinarios mecanismos, que le ha diseñado su padre.

En japonés, en la antigua serie, el protagonista, hoy Speed, tenía el nombre de Mifune G? como un homenaje al legendario actor nipón Toshiro Mifune. Speed Racer es muy querida, por ser uno de los primeros trabajos que trajo a Occidente la magia de las creaciones de animación japonesas. En sí, la historia de Meteoro tal vez nos exprese la fascinación por crecer; el modo en el que un adolescente percibe el mundo de los adultos, como si fuese algo raudo, trepidante, una carrera emocionante llena de descubrimientos y arriesgadas experiencias de las que uno saldrá por completo transformado: al final del recorrido con del auto Mach 5 de la pubertad, ya no seremos los mismos, y nuevas autopistas de vida se abrirán ahora para nosotros, interminables y plenas.

Con los creadores de Matrix (1999-2003), los Wachowski, colaboran protagonizando, el joven actor revelación Emile Hirsch, quien destacara tanto en la cinta de Sean Penn, Into The Wild (2007), acompañado de la transformada y talentosa Christina Ricci, -¿alguien recuerda aquella pícara Wednesday de Los Locos Addams (1991)?- y con ellos los experimentados John Goodman -Pedro Picapiedra en The Flintstones (1994) y la reconocida actriz Susan Sarandon, entre otros.

Además, este proyecto de la Warner Bros. reúne de nuevo a los Hermanos Wachowski con el veterano y exitoso productor Joel Silver, luego de la popular saga de Neo, Morfeo y Trinity y de la excelente cinta distópica V for Vendetta (2005).

Estaremos al pendiente de su estreno para ofrecerles aquí en BlOtaku, una detallada reseña de esta cinta, que anticipa nostalgia y diversión a raudales.